Jugando a Improvisar con la Flauta Travesera

 Comenzamos los ejercicios de Improvisación. 1, 2 y 3 ...

Con esta nueva entrada en mi blog quiero comenzar a realizar unos ejercicios de improvisación, con la flauta travesera. Para ello vamos a utilizar los conocimientos sobre las escalas, que ya hemos estudiado, y los grados.
Principalmente nos centraremos en DoM y los grados  I, V y II, para después ir incorporando nuevos ejercicios.
Estos primeros ejercicios estan creados utilizando el programa Band-in-a box,  con una base de acompañamiento, que he ido realizando para comenzar a hacer de forma básica improvisaciones.
Podéis ir seleccionando  los ejercicios y escucharlos, practicar las escalas y los grados y a continuación comenzar a tocar.

Ejercicio nº 1: Escalas de DoM y SolM | Escuchar, Escuchar con acompañamiento
Ejercicio nº 2: DoM grados: I-V-II | Escuchar, Escuchar con acompañamiento
Ejercicio nº 3: Crea tu propia improvisación escuchando el acompañamiento, para ello utiliza la escala de DoM y los gracos I-V-II | Escuchar, Escuchar con acompañamiento

La Escala Cromática. Flauta Travesera.

Vamos a trabajar la escala cromática de la flauta en tres octavas. En un principio la realizaremos muy despacio y observaremos con atención las posiciones que vamos realizando para cada una de las notas, es importante dedicarle un tiempo de estudio dentro del calentamiento diario, cuándo lo realicemos estaremos concentrados, después descansaremos y seguiremos trabajando el estudio y la obra que tenemos para clase.
En un principio realizaremos la escala articulando cada nota, después siguiendo las indicaciones del profesor iremos realizando diferentes tipos de articulación: ligadas de  4 en cuatro, dos ligadas y dos picadas, tres ligadas y una picada, ligadas en tresillos, o ligadas de seis en seis con sus consiguientes variaciones de articulación. es preciso observar una buena colocación del instrumento, del cuerpo y de los dedos, también es importante realizarla con relajación.
Para recordar las posiciones es interesante que observéis este video.

Theobald Böhm o Boehm

Theobald Böhm o Boehm (pronunciación alemana: [ ˈbøːm ]; Múnich, 9 de abril de 1794 - Múnich, 25 de noviembre de 1881) fue un músico, flautista virtuoso, compositor, inventor, fabricante de instrumentos y especialista en acústica de origen bávaro.
Es conocido especialmente por su labor de perfeccionamiento de la flauta traversa y del clarinete, cuyo método de fabricación y mecanismo de llaves continúan siendo empleados en la actualidad. La flauta de Böhm es el modelo de todas las flautas contemporáneas.
Nacido en Múnich, Baviera, aprende el oficio de su padre, orfebre, en el que ya era un experto a la edad de 14 años.

Flauta travesera contemporánea de platos abiertos montada para su uso. Su sistema de llaves y orificios fue la principal aportación de Böhm.

Flauta travesera, desmontada. Böhm redujo la conicidad del cuerpo (en la foto, abajo) y la trasladó a la cabeza (en la foto, en el centro).
Apasionado de la música, se inició con la flauta dulce, pasando rápidamente a la flauta travesera, construyéndose él mismo su propio instrumento, que copió de un ejemplar fabricado en Dresde. Durante dos años tomó lecciones de un vecino, flautista de una orquesta de Múnich, clases que pagaba fabricándole flautas mejoradas. A los 18 años ya tocaba en una orquesta, y a los 21 ya era flautista primero en la Orquesta Real de Baviera. Dedicaba las tardes a tocar en la orquesta y las mañanas a la fabricación de flautas y a la experimentación con diversos materiales, usando diferentes tipos de madera y metal (oro, plata, níquel, cobre) y modificando las posiciones y dimensiones de los orificios.
Una gira por Europa entre 1816 y 1818 le lleva a Suiza y a Estrasburgo. Su primera composición es de 1822. Numerosos conciertos en Alemania, Francia y Suiza le proporcionarán fama, pero sus ingresos no eran suficientes como para mantener a su creciente familia. En Inglaterra, donde los flautistas eran muy solicitados, se hizo amigo del famoso flautista Charles Nicholson, cuya fuerte y robusta sonoridad le empujó a nuevos experimentos y estudios de acústica, que seguirá en la Universidad de Múnich.
De vuelta a su país en 1832, proyectó un instrumento que asociaba el tradicional cuerpo cónico con un nuevo sistema de llaves, y que llevó en sus giras europeas de los años posteriores, promoviéndolo en Francia e Inglaterra, donde sus ideas tuvieron buena acogida.
Su amigo y profesor de física Karl Emil von Schafhaeutl le proporcionó un nuevo método de extracción del hierro a partir del mineral bruto.

Cuidado y mantenimiento de la flauta

 Cabeza de la Flauta Travesera: Tapon de Corcho

Me pareció interesante en esta entrada, colocar unos videos, sobre como podemos comprobar, si el tapon de corcho de la flauta, que esta situado en la cabeza de la flauta, está en perfecto estado o requiere de un cambio. Normalmente lo comprobaremos introduciendo la varilla de limpieza de la flauta dentro del tubo, y comprobando que la ranura o señal que tiene la varilla de limpieza de la flauta se situa en el centro del agujero de la embocadura. Pero también podemos tener el corcho desgastado por el uso, o incluso que esté mojado, o bien que el tapón se halla desplazado, y que la corona esté abierta. Es imprescindible que estos aspectos esten en buen estado puesto que van a influir en la afinación de la flauta y en el sonido.

Embocadura. Contacto con el instrumento

EMBOCADURA

CONTACTO CON EL INSTRUMENTO

Con este artículo quiero dar algunos consejos a mis alumnos sobre la colocación de la embocadura, preguntas y problemas frecuentes que he encontrado a lo largo de mis clases. Es importante desde el inicio de los estudios de Flauta Travesera adquirir unos hábitos correctos en la colocación, siempre observando de forma consciente estos aspectos, el contacto con el instrumento se irá realizando de forma natural y adecuada.

•  Músculos Faciales: Para el conjunto de la musculatura facial es necesario realizar el mínimo de esfuerzo. En general hay que evitar que se presente cansancio sobretodo a nivel de los orbiculares de los labios pues de lo contrario se estaría presentando un signo de tensión e incorrecta utilización de estos músculos.

•  Lengua: La lengua cumple una función equivalente a la del arco de los instrumentos de cuerda en lo que se refiere a la articulación. Su posición deberá ser siempre detrás de los incisivos superiores.

•  Dientes: El uso de brakets o frenillos pueden eventualmente incomodar a los jóvenes flautistas. Estos pueden ocasionar problemas de adaptación a la embocadura tanto al comienzo como al final de todo tratamiento de ortodoncia. Es conveniente hablar al respecto con los niños para que no se sientan eventualmente desorientados por los cambios de sonoridad y sensación al utilizar estos aparatos. De manera general los dientes superiores e inferiores se encuentran separados para permitir el paso del aire entre los labios.Por lo general se trata de colocar la línea que bordea el labio inferior con
  el orificio de la embocadura. Así mismo, el mentón debe estar apoyado en la placa de embocadura. Los labios se colocan paralelamente a la placa y centrados con respecto al medio del orificio. Visualmente, los labios deben encontrarse en la misma proporción tanto a la derecha como a la izquierda del orificio de la embocadura.

•  Labios: Los labios realizan una pequeña tensión lateral para permitir la formación de un pequeño orificio en medio de ellos para la emisión del sonido. Este orificio y la tensión muscular que acompaña su realización serán de aspecto variable dependiendo del registro, intensidad del sonido y afinación. Por regla general el orificio de los labios debe ser lo más pequeño posible con el fin de no desperdiciar demasiado aire y para dar una dirección más centrada a la columna del aire cuando choca con el bisel del orificio de la embocadura. El labio superior tiene un poco más de movilidad que el labio inferior, esto con el fin de dar diferente dirección a la columna del aire y también para las diferentes variaciones en la velocidad del soplo lo cual es utilizado para cambios de matiz, afinación e intensidad del sonido. También es conveniente tener en cuenta que el labio inferior no debe cubrir más de un tercio del orificio de la embocadura. Una embocadura demasiado cerrada dará un sonido bajo de afinación y con poca proyección hacia el exterior.

•  Mandíbula: La mandíbula es el punto de contacto de la placa de embocadura. Es necesario que la mandíbula tenga estabilidad para lograr una dirección de la columna del aire más exacta sobre el bisel. Todo movimiento hará menos fiable la emisión del sonido y ocasionará a largo plazo problemas de homogeneidad en la sonoridad y en la afinación.

Problemas más comunes con respecto a la embocadura.
· Embocadura demasiado cerrada ya sea por cobertura excesiva
de los labios o rotación del tubo de la flauta hacia el interior
· Mala dentadura
· Utilización de brakets o frenillos demasiado tensionados.
· Labios o muy tensos o muy flácidos
· Movimientos de la mandíbula, excesivos.
· Colocación descentrada de los labios con respecto a la placa
y al orificio de embocadura
· Orificio de salida del aire o muy grande o muy pequeño
a la embocadura.

 Podeis visualizar este video muy interesante sobre la embocadura.

El clave y la música de cámara para flauta de J. S. Bach

El clave

El clavecín (también llamado clavicémbalo, cémbalo, gravicémbalo, clave o clavicímbalo) es un instrumento musical con teclado y cuerdas pulsadas, como el arpa y la guitarra.

El clave, muy conocido y utilizado durante el Barroco, fue cayendo en el olvido, y la mayoría de las piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado de nuestro piano moderno. Como su nombre indica, éste permite cambios de volumen con sólo variar la intensidad de pulsación de las teclas.

Se cree que derivó del salterio griego (psalterion), aunque su invención se da durante el Renacimiento, a mediados del siglo XV y XVI.

Su estructura básica es uno o dos teclados o manuales, en los cuales, al presionar cada tecla, una púa de pluma de ganso, de cuervo o cóndor (llamada plectro), que se encuentra en una pequeña estructura de madera llamada martinete o saltador, eleva la cuerda correspondiente, punzándola. Esto produce un sonido determinado (nota). El volumen del instrumento no varía, al menos perceptiblemente, según sus teclas se opriman suave o fuertemente, sólo se consigue un cambio de volumen agregando registros o acoplándolos. El arte de ornamentar una línea melódica permite también sugerir efectos dinámicos.

El clave, muy conocido y utilizado durante el Barroco, fue cayendo en el olvido, y la mayoría de las piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado de nuestro piano moderno.
El clave ha tenido un importante papel en la música académica europea desde el siglo XVI hasta el XVIII y, después, en el siglo XX, ya sea como solista, como acompañante o a solo, teniendo su edad dorada en el Barroco, para después caer en el olvido en el Romanticismo y resurgir con fuerza en el siglo XX.
Las aportaciones de músicos italianos, como Girolamo Frescobaldi, alemanes, como Johann Jakob Froberger y Johann Sebastian Bach, franceses, cual François Couperin o Jean-Philippe Rameau, y Domenico Scarlatti que compuso la mayor parte de su obra para teclado en España, creando una escuela propia entre cuyos seguidores figuran autores como Sebastián de Albero o Antonio Soler, crearon un repertorio clásico para este instrumento durante los siglos XVII y XVIII.

La música de cámara de J. S. Bach

La mayor parte de las páginas dedicadas por Bach a la flauta son nacidas probablemente entre 1715 y 1725, es decir, entre el final de la estancia en Weimar y el principio de la estancia en Leipzig. Entre tanto, Bach había entrado en la corte de Köthen como maestro de capilla y director de cámara delpríncipe Leopold, gran amante de la música y músico él mismo. En Köthen, Bach había encontrado una orquesta bien formada, y se admite de buen grado que fue para los músicos de esta orquesta para quienes habría compuesto una parte de su música de cámara.

La música de Cámara para flauta

La música de cámara para flauta de Bach es abundante: cuatro sonatas para flauta y clave obligado (BWV 1020, 1030, 1031, 1032), tres sonatas para flauta y bajo continuo (BWV 1033, 1034, 1035), una sonata para dos flautas y continuo (BWV 1039) y una partita para flauta sola (BWV 1013), a las que se puede añadir una sonata para flauta, voiolín y continuo (BWV 1038). La autenticidad de alguna de estas obras es puesta en entredicho hoy.

Creación de un formulario

Compositores Barroco

El Cóndor Pasa

Los instrumentos de viento madera

Los Instrumentos De Viento Madera from Mariano Pradillo

El concierto Barroco

Concerto Grosso

 Concierto solista

 Concierto Grosso

En el que se alternan y reunen dos grupos instrumentales.

    concertino (conjunto pequeño) un grupo de solistas, a menudo  dos violines y un violoncelo, pero pueden ser otros y mayor número.
    ripieno (conjunto relleno), concerto grosso (conjunto grande), o tutti (todos) de estas maneras se conoce la orquesta generalmente de cuerdas que alterna o completa las partes del concertino.

Colaborando con ambas partes actúa la parte de continuo, que realiza el bajo cifrado formada por uno o más instrumentos polifónicos, generalmente el clave, laúd u órgano y alguno melódico grave como el violoncelo o el fagot. Esta parte tenía tres importantes papeles: realizar las armonías facilitando la afinación del conjunto, decorar las texturas y dirigir el conjunto. (es el antecedente del futuro director de orquesta)

Extructura externa e interna tipo del concerto grosso.
Solía estructurarse externamente en varios movimientos, a menudo cuatro o cinco y alguno de ellos solía estar escrito al estilo de una fuga.  Aunque la estructura interna es más variada y libre que en el concierto solista otras formas internas utilizads son la binaria y la ternaria. 

Concerto solista:

en el que un instrumento solista, se alterna con la orquesta (tutti), aumentando así la importancia del contraste.

Extructura externa e interna tipo del concerto solista.

El Concierto solista está estructurado externamente habitualmente en tres movimientos (rápido-len­to-rápido). Presenta una estructura externa derivada de la obertura italiana.

Los movimientos rápidos presentan suelen tener la forma interna conocida como rítornello (pequeño retorno). Esta consiste en un tema principal que reaparece en su totalidad o abreviado a lo largo del movimiento. En la primera y última repetición está en la tonalidad original. Las reapariciones del ritornello están separadas por episodios solistas

Mi Primera Entrada

Presentación

Mi blog "Traveflauta" estará diseñado en torno al estudio y conocimiento de: La Flauta Travesera, tanto para los niveles de enseñanzas básicas como profesionales.

Contenidos

Históricos y Generales: Evolución del intrumento a lo largo de la historia. La familia de la flauta travesera. Cuidado y mantenimiento de la flauta travesera. Compositores.
Técnica: Conceptos, digitaciones, fraseo, articulación. respiración, sonido, afinación, columna de aire, ritmo, agógica, dinámica etc...
Interpretación: Obras, autor, estilo musical, forma musical, audición de obras, interpretaciones de grandes intérpretes, interpretaciones de estudiantes...

Objetivos

Aplicar las nuevas tecnologías para compartir información sobre la flauta travesera y la música.
Utilizar hipervínculos, audio, video para conocer y profundizar en el estudio de una obra, de un compositor etc.
Publicar de forma periódica artículos, conceptos, para profundizar en el estudio de la flauta travesera y la música.
Desarrollar un canal de comunicación para compartir e intercambiar información
Facilitar el estudio de la flauta travesera y la interpretación de una partitura.
Recopilar información sobre contenidos trabajados en clase.
Practicar con audio las obras del curso, tanto en en enseñanzas elementales como profesionales.
Desarrollar las relaciones sociales y el sentido critico.
Mostrar actividades lúdicas para las enseñanzas elementales y profesionales.
Resolver dudas sobre las actividades de clase.
Conocer la importancia de la música, para el desarrollo emocional, personal y social.
Dar a conocer las técnicas de la flauta travesera a traves del uso de la nuevas tecnologías.
Compartir experiencias con los alumnos, padres, profesores...

La Siciliana

Rememorando el pasado

Para introducirnos en el estudio de la siciliana como danza y forma musical es necesario conocer otra forma musical: la suite.
Una suite es una obra musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danzas barrocas. La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Para que se mantuviera unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad, o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por ello se ha considerado este género un antecedente de la forma sonata que se origina en el siglo XVII. Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una allemande, de ritmo rápido; luego una courante y una zarabanda; una bourrée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la Giga (danza). La suite tuvo su apogeo con Händel y Johann Sebastian Bach durante el siglo XVIII. Al finalizar el barroco, la suite fue una forma musical sofisticada que mezclaba distintas tonalidades, contrastaba materiales temáticos presentándolos al inicio de la pieza y reexponiéndolos en su final. Anuncia, en definitiva, el origen de la sonata, que reemplazará a la suite como género instrumental en la segunda mitad del siglo XVIII. En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de “contraposición”, típico del Barroco.

La forma ha recibido nombres diversos según la época, país y compositor, entre ellos:

    Ordre (en Francia);
    Partita (en Alemania, aunque el término es italiano, en los siglos XVI y XVII);
    Sonata (en Italia, antes de la transformación de la suite y del nacimiento de la sonata clásica).

Además, la suite está formada por piezas básicas y piezas no básicas.

    Danzas mas habituales en la suite:
        Allemande: alemana(danza cortesana para una línea de parejas)
        Courante: francesa putanesa (danza viva)
        Zarabanda: española(danza pausada de origen español)
        Giga inglesa: (danza rápida y llena de vida), siempre cierra la suite barroca.

    Otras danzas que puedes encontrar en la suite:
        Obertura o más comúnmente un Preludio, con el que se da comienzo y unidad a la suite.
        Rondó (Rondeau)
        Bourrée
        Gavota (Gavotte)
        Pavana
        Gallarda
        Minueto
        Forlane
        Passepied, pasapiés
        Siciliana
        Chacona
        Musette
        Hornpipe

Sobre el Autor

Gabriel Fauré

(Pamiers, Francia, 1845-París, id., 1924) Compositor, pedagogo y pianista francés. Por la elegancia de su escritura, la perfección de la forma, la constante búsqueda de la belleza y su intenso melodismo, Gabriel Fauré es uno de los músicos franceses por antonomasia. Es también una de las figuras clave de la evolución de la música francesa desde el Romanticismo hasta la modernidad del siglo XX, representada por Claude Debussy y Maurice Ravel.

El madrigal

El Madrigal

 

 El madrigal es una composición de tres a seis voces sobre un texto secular, a menudo en italiano. Tuvo su máximo auge en el Renacimiento y primer Barroco. Musicalmente reconoce orígenes en la frottola, con influencias de otras formas musicales como el motete y la chanson francesa de la música renacentista. Generalmente el nombre se asocia al Madrigal de fines del siglo XIII y principios del siglo XIV en Italia, compuestos en su mayoría para voces a capella , y en algunos casos con instrumentos doblando las partes vocales.

El madrigal fue la forma musical secular más importante de su tiempo. Floreció especialmente en la segunda mitad del Siglo XVI, perdiendo su importancia alrededor de la tercera década del Siglo XVII, cuando se desvanece a través del crecimiento de nuevas formas seculares como la ópera, y se mezcla con la cantata y el diálogo.

Su difusión se inició con el "Primer Libro de Madrigales" de Philippe Verdelot, publicado en Venecia en 1533. Esta publicación tuvo un gran éxito y la forma creció rápidamente, primero en Italia, y hacia el fin del siglo, a varios otros países de Europa.

Evolución de la Flauta Travesera

UN POCO DE HISTORIA

La historia de la flauta traversa puede dividirse en 6 secciones:

PRIMITIVA (de la edad media)

En todo el mundo, diferentes culturas inventaron sus propios tipos de flautas, según las necesidades.

Las civilizaciones tempranas donde predomina el impulso masculino asocian las ideas flauta –fertilidad – vida – renacimiento, y la asocian con innumerables ceremonias. Eran hechas con madera o huesos humanos, caracolas y había una gran variedad de tamaños.

Es interesante observar que en el 1000 la flauta desaparece junto con la caída de Roma y comenzó a reaparecer en el siglo X y XI. Es probable que la flauta fuera introducida en Alemania por los Bizantinos. En el siglo XIV, la flauta se introduce en los demás países europeos. La flauta traversa tenía un cilindro más ancho que los anteriores. Esto permitía que la octava grave fuera más fácil de soplar y no estaba tan limitada en su registro agudo.

Las tendencias musicales de esta época buscaban instrumentos homogéneos, mezclados en grupos heterogéneos: el comienzo de la orquesta sinfónica. La jerarquía sonora impuesta por las reglas de orquestación queda reservada para la flauta en do y el piccolo, que es empleado en la orquesta sinfónica. Para la flauta se comienza a desarrollar el repertorio solista. El sonido producido por la flauta traversa todavía era inconstante, pero más fuerte, claro y penetrante que el de las flautas dulces. Durante el siglo XVI, fue uno de los instrumentos más populares en Italia. Su popularidad se extendió a Inglaterra, donde se  destaca la gran colección de flautas de Enrique VIII.

RENACENTISTA

 El período renacentista marcó popularidad para la flauta de pico, sin embargo, las flautas traversas todavía se seguían tocando en la primera mitad del siglo XVII y los instrumentos de viento de madera fueron rediseñados. Las flautas estaban hechas en una sola pieza, eran cilíndricas y tenían seis orificios muy pequeños, lo que producía una sonoridad de colores pálidos.