Compositores Barroco

El Cóndor Pasa

Los instrumentos de viento madera

Los Instrumentos De Viento Madera from Mariano Pradillo

El concierto Barroco

Concerto Grosso

 Concierto solista

 Concierto Grosso

En el que se alternan y reunen dos grupos instrumentales.

    concertino (conjunto pequeño) un grupo de solistas, a menudo  dos violines y un violoncelo, pero pueden ser otros y mayor número.
    ripieno (conjunto relleno), concerto grosso (conjunto grande), o tutti (todos) de estas maneras se conoce la orquesta generalmente de cuerdas que alterna o completa las partes del concertino.

Colaborando con ambas partes actúa la parte de continuo, que realiza el bajo cifrado formada por uno o más instrumentos polifónicos, generalmente el clave, laúd u órgano y alguno melódico grave como el violoncelo o el fagot. Esta parte tenía tres importantes papeles: realizar las armonías facilitando la afinación del conjunto, decorar las texturas y dirigir el conjunto. (es el antecedente del futuro director de orquesta)

Extructura externa e interna tipo del concerto grosso.
Solía estructurarse externamente en varios movimientos, a menudo cuatro o cinco y alguno de ellos solía estar escrito al estilo de una fuga.  Aunque la estructura interna es más variada y libre que en el concierto solista otras formas internas utilizads son la binaria y la ternaria. 

Concerto solista:

en el que un instrumento solista, se alterna con la orquesta (tutti), aumentando así la importancia del contraste.

Extructura externa e interna tipo del concerto solista.

El Concierto solista está estructurado externamente habitualmente en tres movimientos (rápido-len­to-rápido). Presenta una estructura externa derivada de la obertura italiana.

Los movimientos rápidos presentan suelen tener la forma interna conocida como rítornello (pequeño retorno). Esta consiste en un tema principal que reaparece en su totalidad o abreviado a lo largo del movimiento. En la primera y última repetición está en la tonalidad original. Las reapariciones del ritornello están separadas por episodios solistas

Mi Primera Entrada

Presentación

Mi blog "Traveflauta" estará diseñado en torno al estudio y conocimiento de: La Flauta Travesera, tanto para los niveles de enseñanzas básicas como profesionales.

Contenidos

Históricos y Generales: Evolución del intrumento a lo largo de la historia. La familia de la flauta travesera. Cuidado y mantenimiento de la flauta travesera. Compositores.
Técnica: Conceptos, digitaciones, fraseo, articulación. respiración, sonido, afinación, columna de aire, ritmo, agógica, dinámica etc...
Interpretación: Obras, autor, estilo musical, forma musical, audición de obras, interpretaciones de grandes intérpretes, interpretaciones de estudiantes...

Objetivos

Aplicar las nuevas tecnologías para compartir información sobre la flauta travesera y la música.
Utilizar hipervínculos, audio, video para conocer y profundizar en el estudio de una obra, de un compositor etc.
Publicar de forma periódica artículos, conceptos, para profundizar en el estudio de la flauta travesera y la música.
Desarrollar un canal de comunicación para compartir e intercambiar información
Facilitar el estudio de la flauta travesera y la interpretación de una partitura.
Recopilar información sobre contenidos trabajados en clase.
Practicar con audio las obras del curso, tanto en en enseñanzas elementales como profesionales.
Desarrollar las relaciones sociales y el sentido critico.
Mostrar actividades lúdicas para las enseñanzas elementales y profesionales.
Resolver dudas sobre las actividades de clase.
Conocer la importancia de la música, para el desarrollo emocional, personal y social.
Dar a conocer las técnicas de la flauta travesera a traves del uso de la nuevas tecnologías.
Compartir experiencias con los alumnos, padres, profesores...

La Siciliana

Rememorando el pasado

Para introducirnos en el estudio de la siciliana como danza y forma musical es necesario conocer otra forma musical: la suite.
Una suite es una obra musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danzas barrocas. La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Para que se mantuviera unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad, o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por ello se ha considerado este género un antecedente de la forma sonata que se origina en el siglo XVII. Las danzas tenían una forma binaria simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. Una suite constaba de unos diez movimientos. Solía comenzar con un preludio. La primera danza podía ser una allemande, de ritmo rápido; luego una courante y una zarabanda; una bourrée, de tiempo moderado, y así sucesivamente, para finalizar con una danza viva, como la Giga (danza). La suite tuvo su apogeo con Händel y Johann Sebastian Bach durante el siglo XVIII. Al finalizar el barroco, la suite fue una forma musical sofisticada que mezclaba distintas tonalidades, contrastaba materiales temáticos presentándolos al inicio de la pieza y reexponiéndolos en su final. Anuncia, en definitiva, el origen de la sonata, que reemplazará a la suite como género instrumental en la segunda mitad del siglo XVIII. En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de “contraposición”, típico del Barroco.

La forma ha recibido nombres diversos según la época, país y compositor, entre ellos:

    Ordre (en Francia);
    Partita (en Alemania, aunque el término es italiano, en los siglos XVI y XVII);
    Sonata (en Italia, antes de la transformación de la suite y del nacimiento de la sonata clásica).

Además, la suite está formada por piezas básicas y piezas no básicas.

    Danzas mas habituales en la suite:
        Allemande: alemana(danza cortesana para una línea de parejas)
        Courante: francesa putanesa (danza viva)
        Zarabanda: española(danza pausada de origen español)
        Giga inglesa: (danza rápida y llena de vida), siempre cierra la suite barroca.

    Otras danzas que puedes encontrar en la suite:
        Obertura o más comúnmente un Preludio, con el que se da comienzo y unidad a la suite.
        Rondó (Rondeau)
        Bourrée
        Gavota (Gavotte)
        Pavana
        Gallarda
        Minueto
        Forlane
        Passepied, pasapiés
        Siciliana
        Chacona
        Musette
        Hornpipe

Sobre el Autor

Gabriel Fauré

(Pamiers, Francia, 1845-París, id., 1924) Compositor, pedagogo y pianista francés. Por la elegancia de su escritura, la perfección de la forma, la constante búsqueda de la belleza y su intenso melodismo, Gabriel Fauré es uno de los músicos franceses por antonomasia. Es también una de las figuras clave de la evolución de la música francesa desde el Romanticismo hasta la modernidad del siglo XX, representada por Claude Debussy y Maurice Ravel.

El madrigal

El Madrigal

 

 El madrigal es una composición de tres a seis voces sobre un texto secular, a menudo en italiano. Tuvo su máximo auge en el Renacimiento y primer Barroco. Musicalmente reconoce orígenes en la frottola, con influencias de otras formas musicales como el motete y la chanson francesa de la música renacentista. Generalmente el nombre se asocia al Madrigal de fines del siglo XIII y principios del siglo XIV en Italia, compuestos en su mayoría para voces a capella , y en algunos casos con instrumentos doblando las partes vocales.

El madrigal fue la forma musical secular más importante de su tiempo. Floreció especialmente en la segunda mitad del Siglo XVI, perdiendo su importancia alrededor de la tercera década del Siglo XVII, cuando se desvanece a través del crecimiento de nuevas formas seculares como la ópera, y se mezcla con la cantata y el diálogo.

Su difusión se inició con el "Primer Libro de Madrigales" de Philippe Verdelot, publicado en Venecia en 1533. Esta publicación tuvo un gran éxito y la forma creció rápidamente, primero en Italia, y hacia el fin del siglo, a varios otros países de Europa.

Evolución de la Flauta Travesera

UN POCO DE HISTORIA

La historia de la flauta traversa puede dividirse en 6 secciones:

PRIMITIVA (de la edad media)

En todo el mundo, diferentes culturas inventaron sus propios tipos de flautas, según las necesidades.

Las civilizaciones tempranas donde predomina el impulso masculino asocian las ideas flauta –fertilidad – vida – renacimiento, y la asocian con innumerables ceremonias. Eran hechas con madera o huesos humanos, caracolas y había una gran variedad de tamaños.

Es interesante observar que en el 1000 la flauta desaparece junto con la caída de Roma y comenzó a reaparecer en el siglo X y XI. Es probable que la flauta fuera introducida en Alemania por los Bizantinos. En el siglo XIV, la flauta se introduce en los demás países europeos. La flauta traversa tenía un cilindro más ancho que los anteriores. Esto permitía que la octava grave fuera más fácil de soplar y no estaba tan limitada en su registro agudo.

Las tendencias musicales de esta época buscaban instrumentos homogéneos, mezclados en grupos heterogéneos: el comienzo de la orquesta sinfónica. La jerarquía sonora impuesta por las reglas de orquestación queda reservada para la flauta en do y el piccolo, que es empleado en la orquesta sinfónica. Para la flauta se comienza a desarrollar el repertorio solista. El sonido producido por la flauta traversa todavía era inconstante, pero más fuerte, claro y penetrante que el de las flautas dulces. Durante el siglo XVI, fue uno de los instrumentos más populares en Italia. Su popularidad se extendió a Inglaterra, donde se  destaca la gran colección de flautas de Enrique VIII.

RENACENTISTA

 El período renacentista marcó popularidad para la flauta de pico, sin embargo, las flautas traversas todavía se seguían tocando en la primera mitad del siglo XVII y los instrumentos de viento de madera fueron rediseñados. Las flautas estaban hechas en una sola pieza, eran cilíndricas y tenían seis orificios muy pequeños, lo que producía una sonoridad de colores pálidos.